Guida ai grandi maestri♥ #2 Tim Burton

Non necessariamente un grande artista diventa tale solo dopo la morte.. o almeno fuori dall'Italia non accade così! I giusti meriti, riconoscimenti, elogi, andrebbero forniti nel pieno della vita, quando cioè, una persona meritovole può godersi a pieno il proprio successo.

Questo è ciò che accade a Tim Burton ai giorni nostri.. ma non sempre il suo lavoro è stato frutto di gioie e riconoscimenti, anzi..

Prendete posto sul treno fanstasma che sta per partire: Burton ci porta nel suo mondo fatto di scheletri, scienziati piazzi e creature mostruose..

Benevenuti nel favoloso mondo di Tim Burton!

La testa di Timothy Burton, detto Tim, un cinquantenne che non invecchia mai, è infestata da bizzarre creature, dotate di connotati terrificanti ma che in realtà, risultano piacevoli. Il sangue fa da sfondo a queste temibili creature,eppure non siamo nella sfera dello splatter. Nell'immaginazione burtoniana la stranezza è la norma e il normale risulta assolutamente noioso. L'eclettico regista ci fa scoprire che sotto i nostri piedi giace un altro mondo, colorato e rumoroso, dove il divertimento è garantito anche ai morti.  E' una vera è propria landa chiusa in una scatola cranica, una mente diversa che da vita ad un vero e proprio filone filmico. Unici nel loro genere, i film di Tim Burton sono divertenti e terrificanti al contempo, elaborati e noir.

Poche sono le fotografie che ritraggono il giovane Tim alle prese con la propria adolescenza: chissà che aspetto aveva quel ragazzino, che lo stesso regista descriverà come un doppio dei suoi personaggi. Lo possiamo immaginare una perfetta controfigura di Edward mani di forbice, alto, scapigliato, magro e con un amore viscerale per il gotico.. una vera e propria moda, quella lanciata da Burton, che ripercorrerà tutta la sua filmgrafia. 

Nel 1997 il regista, ormai affermatosi grazie a pellicole di successo, pubblica una raccolta di poesie illustrate da suoi disegni, intolata "In Morte malinconica del bambino ostrica e altre storie". Le pagine parlano di bambini molto speciali: c'è chi ha dei chiodi al posto degli occhi, chi è affetto da tossico dipendenza, o ancora un bambino-pinguino.

Il bambino con i chiodi negli occhi

"il bambino con i chiodi negli occhi,

piantò il suo alberello d'alluminio.

Ma cresceva di sbieco 

perchè lui era cieco."

James

"Un incauto Babbo Natale

volle regalare a James

un orsacchiotto colpito da poco

da un grande orso inazzato."

La bambina con molti occhi

Un giorno nel parco

fra tanti marmocchi

conobbi una bambina

con molti occhi.

Era carina, anche se faceva

impressione con tutta

quella confusione di occhi.

E in quella faccia bislacca

vidi che aveva anche una bocca.

Parlammo di fiori,

di vocali e consonanti

e dei mali che si attirava

quando portava le lenti.

E' bello conoscere una bimba

con tanti occhi sotto i capelli

ma non quando piange, 

perchè sui vestiti ti stinge.

E' con la comparsa in Beetlejuice del personaggio di Winona Ryder, affascinante e pallida ninfetta, vestita completamente di nero e agghindata con trine e velette, che si palesa la tipologia di personaggio gotico, che il cinema non aveva ancora adoperato. Si tratta un personaggio tratto da una corrente letteraria e che, ad un livello più frivolo, rimanda ad una moda derivata dal punk. Il goticismo rifiuta il conformismo e lo si vede in modo inconfondibile nei personaggi burtoninani e in Burton stesso, che per anni si è pettinato come Robert Smith, cantante dei "The Cure", imitato dai fan nell'abbigliamento e nelle pettinature.

Gli adolescenti gotici di Tim, sono dotati di una chiaroveggenza del tutto estranea al mondo degli adulti: ecco quindi che Winona è l'unica a comunicare con i coniugi Maitland, da poco scomparsi, oppure la giovanissima Natalie Portman, figlia del presidente degli Stati Uniti, che si dimostra molto più ragionevole del padre in Mars Attack!. E ancora, notiamo come Edward, adolescente bardato di cuoio, sia una visione gotica, che scende ad oscurare le tinte pastello della vita quotidiana (Se non hai letto l'analisi di Edward mani di forbice hai fatto male, però puoi rimediare cliccando QUI!)

I personaggi di Burton, hanno una capacità innata nel catturare l'animo dello spettatore, rendendo possibile l'idea di un mondo migliore dopo la morte. Tim ci permette di ridere e provare piacere trattando di ciò che l'uomo più ripudia: nel trattare temi diffusi e sflazionati quali l'amore, la libertà, la morte, c'è sempre il rischio di scadere nel banale. Burton non solo riesce ad eludere la banalità, ma riesce a trattare con ilarità della grande paura del genere umano, rendendo allegro ciò che di più triste esiste.

Non c'è che dire: Burton è vero genio della pellicola..

I film del cuore♥ #4 Le iene_Quentin Tarantino

"Ve lo dico io di cosa parla  Like a Virgin. 

Parla di una ragazza che rimorchia uno con una fava così! 

Tutta la canzone è una metafora sulla fava grossa.

No, macché, parla di una ragazza vulnerabile perché 

se la sono sbattuta di sopra e di sotto, ma poi incontra un tipo sensibile e...

Nonononono, mammoletta, queste sono cazzate per turisti!"

Le Iene, un film di Quentin Tarantino.

Un rapina andata male, sei uomini che collaborano ma non si conoscono affatto. Paura e delirio, nella ricerca della talpa, di chi ha soffiato alla polizia il loro piano. Nessuno si fida più di nessuno: è all'interno di un capannone che si svolgerà  l'epilogo di questo film trantiniano in pieno stile noir.

Benevenuti nella pellicola de "Le iene", dove nessuno si salverà.

Le iene si presenta come la prima opera autoriale di Tarantino, che lo vede al contempo regista e attore.. Precede Pulp Fiction e in un certo senso, ne rappresenta la prova generale, sopratutto dal punto di vista dell'impianto costruttivo. Scarno, feroce e violento, Le iene buca letteralmente il grande schermo, proprio come una pallottola trafora un brandello di carne.

Realizzato con un buget  limitato (inizialmente si contavano soli 30mila dollari), le scene convogliano quasi tutte all'interno di un capannone: le poche azioni negli esterni, movimentate e ritmate da incalzanti colpi di pisolta, saranno egregiamente montate da Sally Menke aiutato nella scenografia da David Wasco.. due collaboratori di cui Tarantino non farà più a meno, nemmeno quando la popolarità e il prestigio del regista gli avrebbero concesso l'aiuto di professionisti ben più conosciuti nel settore.

Il titolo italiano "Le iene", nell'originale suona come "Reservoir Dogs": tale titolo è stato oggetto di numerose iterpretazione, mai del tutto chiarite dal regista. Una traduzione letterale vorrebbe che l'enigma si sciogliesse in "Cani Sciolti", ma il termine "Reservoir" ha origni francesi, e proviene dal titolo di un altro film "Au Revoir Les Enfants", che Tarantino non riusciva mai a prononuciare correttamente. Dogs, invece dovrebbe provenire da un'altra celebre pellicola "Cani di Paglia", originariamente "Straw Dogs".

Altra curiosità degna di nota, ci riporta agli occhiali indossati nel film da Michael Madsen, gli stessi usati in "The Blues Brothers" e in "Colazione da Tiffany"... Ancora rilevante è la scena iniziale del film: Tarantino ci apre la visione di tutti i personaggi, riuniti attorno ad un tavolo di un bar, come se si trattasse di un ultima cena: dopo aver consumato la propria colazione, le nostre iene sono chiamate a sgnaciare un dollaro ciascuno, per dare la mancia al personale. Steve Buscemi, si rifiuta di partecipare alla mancia per la cameriera: più tardi, in Pulp Fiction, Tarantino inserirà ironicamente l'attore proprio nel ruolo di un camerire.

E' proprio con la scena iniziale del film, che il regista ci pone faccia a faccia con una di quelle discussioni surreali, tipiche del cinema tarantiniano: del tutto estranea dal tema della pellicola, la disquisizione verte sul significato della canzone "Like a Virgin" di Madonna. Lo stesso Tarantino, nei panni di una delle "iene", sostiene l'ipotesi che si tratti di una prostituta posseduta da un uomo super dotato, tanto da farle provare dolore durante l'amplesso, proprio come se fosse ancora vergine.

Successivamente, la trama del film si svolge in capitoli (come sarà in Pulp Fiction), spesso dedicati a spiegare il ruolo di alcuni protagonisti, o a raccontare gli eventi, senza tener conto della sequenza temporale. Il film si chiude in una circolarità perfetta: si assiste ad una sorta di esplosione narrativa, che come al solito, quando si tratta di Tarantino, non delude mai.

Ciak si legge♥ #2 Pulp Fiction_Quentin Tarantino

Vi è mai capitato di trovarvi faccia a faccia con la sceneggiatura di un film? Beh, se così non fosse, portete provare la fantastica esperienza di "leggere una pellicola", grazie alle innumerevoli edizioni cartacee che racchiudono in sè il "canovaccio" del vostro regista preferito.

Oggi, tratteremo di uno dei cult indiscussi della storia del cinema, offertoci in inchiostro stampato dalla Bompiani...sto parlando di:

Pulp Fiction un film/una sceneggiatura di Quentin Tarantino.

Il libro si apre con una definizione stampata a modi dizionario, in cui si sviscera il significato del termine pulp.

"pulp s. 1 Massa di materia morbida, informe e quasi liquida. 2. libro o rivista che contiene storie sensazionalistiche di sesso e violenza, in genere stampato in carta di qualità scadente."

A partire dal titolo, Tarantino ci cala immediatamente nella dimensione del suo cinema: lo fa attraverso immagini nitide e inequivocabili occhi penetranti degli attori. Il suo pulp è tangibile, è nell'aria: ci rende tutti partecipi e volenterosi di assaporare quel mondo così estremo, posto ai limiti dell'immaginabile.

Cosa accade se i nostri occhi invece di essere rapiti dalla luce del grande schermo, si trovano faccia a faccia con parole stampate su carta?

L'effetto del "pulp" ruberà ugualmente il nostro cuore?

Sicuramente, anche dalle righe dell'edizione Bompiani, si evince la grande qualità e maestria di Quentin Tarantino, anzi in un certo senso la lettura di questo libro appare indispensabile per comprendere cosa c'è dietro la creazione di un film.

I trafiletti descrittivi che precedono le battute dei personaggi, riescono a rievocare esattamente gli spazi e i luoghi che il regista immagina per la messa in scena.. Se la lettura avviene dopo la presa visione della pellicola, riuscirete a recuperare le scene precise del film nella vostra mente: rivedrete Mia Wallace vestirsi dietro quell'anta semi aperta, i due giovani ladri seduti al tavolo di un caffè anni '50, potrete sentirvi (finalmente!) i protagonisti della famosissima scena degli hamburger. 

Per gli amanti di cinema, sceneggiature e sopratutto, per gli amanti della maestosa regia Tarantiniana, questo libro non può assolutamente mancare nella propria libreria: con esso non solo ci si rende conto di come è fatta una sceneggiatura, ma si possono assaporare tutte quelle situazioni ideate dal regista, che non vennero mai rese in pellicola.

Unica pecca, sicuramente la traduzione: non tenendo fede ai dialoghi doppiati in italiano, sfalsa alcuni battute fondamentali o i giochi di parole (come ad esempi Pitt/Shit nel discorso che Jules fa ai due che hanno rubato la valigetta a Mr. Wallace che nel film in italiano viene reso Gerda/Merda).

Ma è solo andando oltre la scadenza della traduzione che è possibile recepire tutto il pulp che questa sceneggiatura trasuda e il risultato, (come al solito, quando si parla di Tarantino) non vi deluderà affatto.

I libri del cuore♥ #3 Le ultime lettere di Jacopo Ortis_Ugo Foscolo

Reputi noioso Foscolo da quando hai letto "I Sepolcri" al liceo?

Non confidi nella bellezza della letteratura italiana, perchè ritenuta dai più obsoleta?

Bene! Oggi intraprenderò la mia piccola sfida personale, cercando di farvi cambiare opinione.. 

Mettetevi comodi, voglio parlarvi di:

Le ultime lettere di Jacopo Ortis, un libro di Ugo Foscolo

UGO FOSCOLO nasce il 6 febbraio 1778, nel pieno della rivoluzione francese: sarà così colpito dalla rivoluzione, da definendosi suo allievo.Per comprendere la sua scrittura, serve riflettere sui suoi mestieri: fu soldato, giornalista, insegnate universitario ma nessuna di queste attività diede lui i frutti necessari per sopravvivere, e infatti morì disperato e sommerso dai debiti.  Oggi, facciamo luce su uno dei migliori romanzi epistolari di sempre: il genere epistolare è spesso ostico nelle letture, ma non è questo il caso dell'Ortis Foscoliano.

Le ultime lettere di Jacopo Ortis (1817) quando Foscolo giunge in Inghilterra (1815) inizia la sua carriera da critico letterario, affermando che la letteratura italiana a lui contemporanea è priva di “romanzi veri”: quando esce l’Ortis, egli affermerà che quello è il primo vero romanzo italiano. 

Questo perché in Italia c’erano dei romanzi, ma essi erano lontani da quelli europei: avventurosi e ricchi di colpi di scena, creavano un’altra realtà puntando tutto sulla trama, mentre in Europa primeggiavano romanzi come “Robinson Crusoe”, “i dolori del giovane Werter” di Goethe o “La nuova Eloisa” di Rousseau. Tutti romanzi che danno l’idea di entrare in contatto con personaggi reali: e infatti in quegli anni hanno molto successo i romanzi epistolari che rispetto a quelli d'azione, punta sulla rappresentazione degli affetti.

Foscolo punta proprio a questo: l’Ortis vuole raccontare le passioni dei contemporanei (rivoluzione francese) e per questo deve scegliere il pubblico a cui rivolgersi e la lingua con cui scrivere il proprio romanzo epistolare. Egli ipotizza una tripartizione del pubblico:

Aristocratici (pochi e acculturati) 

Popolo (borghese) 

Plebe (molti e privi di cultura).

L'autore decide di rivolgersi al popolo borghese, raccontandone le passioni. Si rivolge al nervo di un’intera società poiché è la parte di essa attiva e lavoratrice, con un linguaggio a loro comprensibile.

La vita dell’Ortis si snoda nelle lettere inviate ad un ricevente (Lorenzo Alderani) che decide di pubblicarle per poter erigere un monumento in ricordo delle virtù dell’Ortis morto suicida affinchè nessun altro muoia. La sua esistenza è l’emblema dell’orrore della rivoluzione e di quanto essa possa influire nella vita privata degli individui: l’amore infatti, non può sussistere ed egli deve rassegnarsi all’idea di una vita in solitudine senza Teresa, donna amata ma destinata al matrimonio con un altro uomo, Odoardo, che incarna l’emblea degli uomini senza virtù (ed è lo specchio della civiltà in cui Foscolo è immerso). Proprio come Alfieri, l’autore non vede nell’amore una via di fuga dall’orrore della realtà. Il dolore per la situazione politica, non fa altro che alimentare il dispiacere amoroso: in una realtà problematica l’amore non può sussistere e  ciò intensifica ancor di più la sconfitta politica.

Il cinema in pillole♥ #5 Il concetto di film d'autore, esiste?

Molto spesso, lo spettatore si trova dinanzi ad una pellicola ritenuta "film d'autore". Decide di guardarla e già si pone nella condizione di "spettatore attento": pronto a captare qualsiasi sfumatura che il regista ha voluto donare al proprio capolavoro, strizza occhi e meningi al fine di non farsi scappare nulla.. Troppo spesso ci sentiamo quasi in obbligo di esprimere un giudizio positivo nei riguardi di un film che non ci è piaciuto affatto, solo perché il regista è uno di quelli con la R maiuscola, uno di quelli passati (giustamente) alla storia per il proprio modo di fare cinema.

Credo che tali "pregiudizi in positivo" vadano messi da parte: è per questo che oggi parleremo di:

I film d'autore, possiamo considerarli tutti così?

Come una qualsiasi opera d'arte, anche il film è volto a suscitare emozioni nello spettatore. Ovviamente queste emozioni saranno differenti a seconda della tipologia di pubblico che si pone dinanzi al grande schermo (a tal proposito spulcia negli altri post de "il cinema in pillole" cliccando QUI♥!). Esiste quindi, già in partenza, una forte componente soggettiva, che permette all'uomo di esprimere un proprio giudizio, che non necessariamente sarà uguale a quello di un'altro spettatore. 

Ora, ammesso che i film suscitano emozioni diverse a seconda dei soggetti che li visionano, ed ammesso che non tutti abbiamo gli stessi "gusti cinematografici", appare ovvio, che ci siano pareri differenti in relazione ad uno stesso film: una fetta di pubblico può considerarlo un vero e proprio capolavoro, ed altri invece lo potranno ritenere scadente, poco piacevole e così via.

Fin quando si esprimono giudizi personali, non si fa altro che esternare ciò che una pellicola ci ha trasmesso.. e in questo non c'è nulla di male.. Quando invece si cerca necessariamente di affermare che un film è geniale, solo perché il regista è lo stesso che è passato alla storia con un'altra pellicola realmente unica nel suo genere, ecco che si scade in una cattiva valutazione cinematografica, filtrata non dal parere/piacere personale, ma dal cosiddetto parere (o piacere) di massa, legato prettamente al nome del regista e non alla qualità del film.

La contrapposizione storica tra film d'autore e film di genere, che attribuisce a primi l'aggettivo "artistico" e ai secondi quello di "commerciale", rappresenta un atteggiamento del tutto sbagliato: credere che per forza di cose il cinema d'autore sia superiore a quello di genere è un'idea obsoleta, che colpisce chi crede di essere una sorta di spettatore "altolocato", ma che in realtà non riesce ad effettuare una critica sincera, senza essere ossessionato dai nomi dei "grandi registi".

Ovviamente con questo non voglio intendere che i maestri delle pellicole non producano film eccellenti  e di qualità, ma vorrei semplicemente mette in luce un aspetto importante, che troppi trascurano: la pellicola, come qualsiasi opera d'arte, deve accendere qualcosa nel nostro io. Ci deve catturare, rapire, imprigionare nei colori della scena.. non dobbiamo per forza cogliere qualcosa in un film che non ci ha colpito, o che non ha suscitato il nostro interesse.

Spesso la "politica degli autori" ha concentrato (in modo errato) troppo l'attenzione sulla dicotomia autore/non autore, senza invece pensare ad interpretare i film nella loro concretezza. Si pensi alla filmografia, di uno dei più grandi registi della storia del cinema: Lang. Bene, per quanto egli sia un maestro indiscusso della pellicola, non tutti i suoi film sono segnati dalla "genialità dell'autore",mentre "Cantando sotto la pioggia" realizzato da due presunti "non autori", è un film che combatte il tempo, famosissimo ed eterno,  che costituisce un ingranaggio fondamentale nella storia del cinema.

Non bisogna dimenticare, che in fondo, anche il cinema d'autore può considerarsi un genere.. e non è sempre uno di quelli più interessanti! Ci troviamo in più occasioni di fronte a protagonisti in crisi esistenziali,o crisi coniugale, o ancora alle prese con un inserimento problematico nel contesto lavorativo, sociale, nella cerchia di amici.. sono tutti clichés, situazioni stereotipate, standardizzate che possiamo trovare in svariati film d'autore, così come accade nelle commedie, o nei film di genere che ripropongono "canovacci" già visti ed utilizzati. 

Quindi mi chiedo: se anche nei film d'autore, si attivano gli stessi meccanismi delle pellicole di genere, perchè considerarli come una categoria superiore?

I film del cuore♥ #3 Cry Baby_John Waters

Siete stanchi di John Travolta nei panni di Danny Zuko? Della scena della macchina da riparare, del pettine stretto tra i capelli, di Sandy, insomma.. siete ormai stanchi del famossimo Grease?

Bene, qualunque sia la vostra risposta, ho quello che fa per voi..

Oggi, parleremo di un film oltre i limiti del possibile: ebbene sì, una pellicola firmata John Waters, regista e re indiscusso del trash.

Non abbiate timore, ho il piacere di presentarvi:

Cry Baby un film di John Waters

Dissacrante, irriverente, trash, adorabile John Waters che ci regala 40 minuti di divertimento, con una sorta di parodia del famosissimo Grease. Il regista ci propone la classica opposizione tra ragazzi per bene e ragazzacci di strada: stiamo parlando degli "square" e dei "drapes". 

E' il 1954 a Baltimora e come prevede qualsiasi copione di un musical che si rispetti, il capobanda scapestrato dei giovani poco raccomandabili, si innamora di una cara e dolce ragazza, Ellison, con cui non condivide nulla... è scontato dirvi che l'amore trionferà.

Ma allora mi chiederete, cos'è che rende questo film tanto speciale?

Bene.. procediamo con ordine. Innanzitutto il film mette allegria, vuoi per la formula del musical, vuoi per i colori e per la  carica trash-demenziale che tiene lo spettatore incollato allo schermo, in una sorta di trance in cui ci si chiede se è tutto-vero-ciò-che-si-vede. Sicuramente rilevante l'intento del regista, capace di dipingere, con una leggerezza sconcertante, ma in modo incisivo, i tratti disgustosi dell'America. Altrettanto rilevante è la presenza di Iggy Pop nella parte di Mr. Belvedere.

Esce nelle sale nel 1990,ed è un giovane Johnny Depp (che di lì a poco si sarebbe calato nei panni di Edward mani di forbice), ad irrompere sullo schermo: mascella squadrata e sguardo irresistibile, eccolo che interpreta Wade "Cry Baby" Walker (detto così per la sua "la lacrima facile" a causa della perdita dei propri genitori) il giovane ragazzo di strada, temuto dalle famiglie perbene.

Ora, ditemi come si può resistere a Cry Baby che fa una dichiarazione d'amore. struggente, romantica, unica nel suo genere  "Ti amo come la mia moto!" e che,come se non bastasse, si tatua una lacrima sul viso, in segno del suo amore per Ellison.. no davvero, è impossibile non  desiderare di essere catapultati immediatamente in questo musical ed adorarne letteralmente i personaggi!

Tipicamente anni '50, sembrano tutti la caricatura di sè stessi: vestiti aderenti e pance spropositate, capelli lunghi boccolosi e ossigenati, fazzolettini al collo e rossetto rosso fuoco: no, Waters non ha sbagliato nulla in questa pellicola, tutto è assolutamente come dovrebbe essere!

Bene.. non vi resta altro da fare: DOVE ASSOLUTAMENTE VEDERE QUESTO FILM! Non potete più fare a meno dei trashissimi ed amabilissimi personaggi di John Waters?

NON AVEVO DUBBI!

"Baciami! Fammi impazzire!"

"Perdonami Cry Baby, ma non ho mai baciato con la lingua..."

"Non è una cosa difficile: devi solo aprire la bocca, io apro la mia e piano piano le nostre lingue si accarezzano.. ed è una cosa incredibilmente erotica!"

"Ma così non si rischia di prendere la mononucleosi?"

♥

Il cinema in pillole♥ #4 Il regista è come lo scrittore?

Quante volte vi siete posti la fatidica domanda: "è meglio il film o il libro?" I cinefili più incalliti, difenderanno a spada tratta le pellicole, dotate di musiche trasportanti e magia avvolgente, capaci di catapultarti in un'altra dimensione...I letterati d'altro canto, non abbandonerebbero mai l'odore della carta, la possibilità di tracciare appunti ai bordi delle pagine, e sopratutto rivendicano la possibilità di immaginare a proprio piacimento i personaggi. E' una diatriba che va avanti da secoli, che porta molti ad interrogarsi circa l'identità del regista.. Questo può essere accomunato allo scrittore?

Oggi cercheremo di rispondere a questa domanda. Il cinema in pillole presenta:

Il regista è come lo scrittore?

Nell'affermare la creatività del regista, che dovrebbe poter lavorare ad un film, proprio come uno scrittore che lavora alle pagine del proprio libro, Astruc (regista e teorico francese) avanza la teoria della caméra-stylo (letteralmente cinepresa-penna). Egli sostiene che la macchina da presa deve essere considerata come la penna dello scrittore: in quest'ottica la produzione filmica è accomunata alla scrittura letteraria. 

"il cinema si svincolerà a poco a poco dalla tirannia del visivo, dall'immagine per l'immagine, dall'aneddoto bruto, dal concreto, per diventare un mezzo di scrittura flessibile, sottile al pari del linguaggio scritto" (Astruc, 1948)

Il teorico espresse questa teoria rivoluzionaria in un articolo pubblicato nel 1948, considerato basilare per la nascita  della Nouvelle Vogue francese. Quindi, la regia è un tipo di scrittura?

Sicuramente nello scrittore e nel regista, si attivano gli stessi meccanismi psichici durante la realizzazione delle proprie opere. Entrambi decidono di creare un film o un libro, perchè i propri sensi vengono sollecitati da un qualcosa che li colpisce nel profondo: un'immagine, un profumo, una sensazione.. tutto il mondo circostante concorre alla creazione di un'opera d'arte. 

Così come lo scrittore senza limiti, può giocare con i propri personaggi, crearne la psiche e le componenti caratteriali, così farà il regista con i propri attori. La differenza in questo meccanismo di creazione dei protagonisti di un opera, è che il regista  vede muoversi dinanzi ai propri occhi quei personaggi che hanno infestato la propria testa, durante la stesura della sceneggiatura, mentre lo scrittore li immagina. Ma questo non vuol dire che il libro si migliore del film o viceversa.

In ultima analisi, che un'opera sia supportata da pellicola o impressa su carta, poco importa: tutto ciò che sollecita il nostro intelletto, la nostra fantasia e sopratutto le nostre emozioni, è da considerarsi opera d'arte.

I libri del cuore♥ #2 La Locandiera_Carlo Goldoni

Il teatro italiano gode ancora oggi di fortuna internazionale quasi esclusivamente grazie a due autori: Goldoni e Pirandello. Il primo riesce con l’immediatezza e la comunicatività del proprio teatro, a reggere non solo il confronto con i teatri del mondo, ma soprattutto a rispondere alle nuove esigenze del pubblico moderno. 

La sua attività teatrale durerà ben 20 anni (dal 1742-62) ed è raccontata, assieme alle vicende autobiografiche, nel testo scritto in francese (negli anni in cui risiede in Francia) “Memoires”. Egli nasce nel 1707 (vive tantissimo sino al 1793) a Venezia città che sviluppa attorno al teatro un vero e proprio mercato, basato sul gradimento da parte di un pubblico sempre più vasto: le opere teatrali non si rivolgevano solo ad un pubblico colto, ma abbracciavano anche gli strati più bassi della società.

Oggi, analizzeremo l'opera di Goldoni che più mi ha colpito, ovvero:

LA Locandiera (1751)

La Locandiera, scritta da Goldoni nel 1751, irrompe nei teatri italiani nel 1753. A lasciare un segno indelebile sui vari palcoscenici è la protagonista Mirandolina, che gestisce sapientemente una locanda. Ella sa tenere a bada le avance di due nobili, ottenendo per scommessa l’amore di un terzo personaggio da sempre restio all'innamoramento e al contatto con il mondo femminile. Il finale, scoppiettante, vede Mirandolina rifiutare tutti i suoi ammiratori, scegliendo di sposare, Fabrizio, un suo dipendente. In tal modo, l'astuta donna è riuscita a conciliare amore e convenienza.

L'opera è suddivisa in 3 atti: in ognuno di essi l'autore affronta tre tematiche differenti, che sono: 

Differenza delle classi sociali evidenziata dalla protezione che il Marchese vuole offrire a Mirandolina e il denaro che il conte vuole donare alla donna, oggetto del desiderio di entrambi

Differenza tra i sessi evidenziata dal disprezzo che il cavaliere ha verso le donne.

Seduzione evidenziata dall'atteggiamento di Mirandolina che per scommessa decide di sedurre il Cavaliere tanto ostile al gentil sesso.

ATTO I Mirandolina si trova alle prese con 4 personaggi: il Conte di Albafiorita, il Marchese di Forlipopoli (esponente della vecchia aristocrazia), Fabrizio cameriere della locanda e il Cavaliere di Ripafratta noto per il suo forte disprezzo verso le donne. In questo primo atto sono esposti i temi e i motivi che saranno poi sviluppati in tutta l’opera, la cui linea principale è il confronto tra Mirandolina e il cavaliere, mentre tutte le altre storie convergono in essa.

ATTO II Il sipario si apre sulla camera del Cavaliere che Mirandolina intendere prendere per la gola. Il cibo assieme al vino, rappresenta il motivo ricorrente di questo atto, che rimanda ad un significato sessuale: l’appetito del Cavaliere non è che un sostituto del desiderio sessuale represso, che emerge in forma ironica in alcune battute (es. il padrone si va riscaldando!). un intermezzo nella stanza del Conte in cui egli e due commedianti che si fingono esponenti signore aristocratiche provano a circuire ma senza successo il Cavaliere che ne smaschera l’inganno, riappare Mirandolina che con uno svenimento a regola d’arte, fa crollare anche le ultime difese del Cavaliere che si scopre ormai perdutamente innamorato della donna. Egli dunque è sconfitto in tutti i fronti poiché nonostante abbia smascherato l’inganno delle commedianti, in quanto non solo non ha scoperto l’inganno di Mirandolina, ma ne pare anche tremendamente innamorato. Il tema principale di questo atto è la finzione e Mirandolina appare la migliore attrice anche rispetto alle due commedianti smascherate.

ATTO III Ha inizio nella stireria, Mirandolina appare soddisfatta della riuscita del suo piano. Essa però è preda di due tendenze opposte: da un lato è richiamata dal principio del piacere e dell’avventura erotica (il finale è ancora tutto aperto: Mirandolina potrebbe ancora innamorarsi del Cavaliere) e dal principio del dovere e del lavoro (buona gestione della locanda). Alla fine però prevale il ritorno all'ordine  Mirandolina offre la propria mano a Fabrizio (come voleva suo padre) promettendo di tornare alle faccende della locanda. Il cavaliere esce di scena riconfermando le sue opinioni sulle donne che aveva espresso ad inizio commedia: anche il la scelta di Mirandolina sottolinea il movimento circolare della commedia. L’ordine è stato sul punto di essere rotto ma nulla è veramente cambiato. L’intero atto è percorso da un oggetto scenico apparentemente secondario: la boccetta d’oro contente lo spirito di melissa, che il cavaliere dona alla Locandiera dopo lo svenimento. Il dono inizialmente rifiutato dalla donna, passa di mano in mano di tutti i personaggi e solo nella scena finale tornerà nelle mani di Mirandolina che accetta il dono poiché perde il suo significato erotico, ma assume significato puramente economico.

Tra i vari personaggi, spicca per ovvie ragioni, Mirandolina. La donna è si presenta come una figura sia positiva che negativa... tale bivalenza caratteriale pone l’opera sul filo del rasoio goldoniano: a metà tra l’esaltazione dei valori borghesi e il suo rovesciamento. 

Furba,cinica intelligente e al contempo crudele, barbara e spietata. Ella nella scelta dell’uomo da sposare, non ragiona con la logica illogica del cuore, ma sceglie razionalmente Fabrizio che tra i 3 è quello che le sarà più utile. (atto 3, scena 12 Mirandolina pensa al matrimonio con Fabrizio, che potrà salvare la sua reputazione, senza perdere la libertà: il matrimonio diventa una scelta d’interesse. INTERESSE e REPUTAZIONE sono le cose a cui un borghese non può rinunciare, saranno le cause del male di questo ceto sociale e le parole chiave che Goldoni userà nelle sue opere teatrali a partire dal 1760 per dipingerne la natura sporca e corrotta).

Quest'opera è un continuo mescolarsi tra realtà e finzione: Goldoni gioca benissimo con le caratterizzazioni dei personaggi, che subito colpiscono l'occhio del lettore più attento. In particolar modo c'è da interrogarsi circa Mirandolina: spietata e calcolatrice, colpisce generalmente il cuore dei lettori.. ella è ammaliante e furba.. sicuramente l'intento di Goldoni non era quello di fossilizzare nella sua commedia l'immagine di una donna forte e indipendente: è più facile credere che l'obietto dell'autore era quello di mettere in guardia gli uomini circa il potere seduttivo del cosiddetto "sesso debole".

Ma, trasportiamo Mirandolina ai giorni nostri: ella ci apparirà come un'icona della donna libera, emancipata e indipendente...una donna piena ed orgogliosa della propria femminilità, come evince da questo monologo tratto dall'opera:

“… A maritarmi non ci penso nemmeno; non ho bisogno di nessuno; vivo onestamente, e godo la mia libertà. Tratto con tutti, ma non m'innamoro mai di nessuno. Voglio burlarmi di tante caricature di amanti spasimati; e voglio usar tutta l'arte per vincere, abbattere e conquassare quei cuori barbari e duri che son nemici di noi, che siamo la miglior cosa che abbia prodotto al mondo la bella madre natura…"

I film del cuore♥ #2 Amarcord_Federico Fellini

Sono lieta di annunciarvi che la recensione di questo film non la troverte in questo blog, bensì nel famosissimo portale cinematografico, Cinema4stelle!!!

Ebbene sì, da pochissimo collaboro con questa testata on-line e devo dire che sono più che soddisfatta!!

Quindiiiii, se vi va di leggere la recensione di questo meraviglio film di Fellini, non vi resta altro da fare: cliccate QUI♥

Ringrazio il direttore editoriale e webmaster, Manuel Cossu per la stupenda opportunità concessami. 

Guida ai grandi maestri♥ #1 Federico Fellini

Maestro indiscusso della pellicola, Federico Fellini era pura creatività: viveva in una sua dimensione, non in questa realtà. Alla sua morte, il 31 ottobre 1993, i media lo descrissero come autore ineguagliabile di una splendida età dell'oro del cinema italiano. Premiato con quattro premi Oscar (per "La strada", Le notti di Cabira, Otto e 1/2 e Amarcord) Fellini lascia un segno in quanto creatore di un lussuoso mondo barocco: il suo segno è tanto forte, che l'aggettivo felliniano è ormai di uso corrente.

Fellini sul set era una guida infallibile per i suoi attori: recitava costantemente con loro, senza tregua ripeteva tutte le battute della sceneggiatura. Un sorta di gobbo autorevole, che non lasciava mai senza appiglio il proprio cast. Come se il film fosse una specie di malattia mentale, un grande manicomio, dove tutti hanno bisogno di curarsi e Fellini gioca il ruolo dello psichiatra.

 Egli sapeva tutto e vedeva tutto: "nella famosissima scena della nave Rex, che solca un mare di plastica in Amarcord, c'erano più di cento lampadine che decoravano la nave in festa" racconta chi ha lavorato con lui sul set del film. "Al momento di girare quando tutti erano pronti e il fumo andava nel verso giusto.. Fellini si fermò esclamando 'Stop, stop, STOP!! Là, vedi dietro a quel coso? C'è una lucina che non funziona!'. Il suo occhio era vigile e attento, memorizzava e filtrava tutto, più di una macchina da presa".

Girava senza un soldo in tasca, faceva in segreto molta beneficenza, ciondolava per le vie romane alla ricerca di personaggi congeniali alle proprie fantasie. Teneva due grandi libri di sogni, in cui tutte le mattine appena sveglio, disegnava ciò che aveva sognato e lo descriveva dettagliatamente. Spesso il suo mondo onirico, veniva tramutato in scene dei suoi film.

Era un uomo capace di tutto: per la scenografia nel film "Satyricon" aveva in mente un grande colonna maiolicata con il tipico mosaico di Ravenna. I suoi collaboratori cercarono in lungo e in largo tale mosaico, ma senza successo: fu allora che Fellini chiese 10 kg di caramelle, e ordinò di abbellire la colonna con quelle  caramelline quadrate dai diversi colori.

Non smetteva mai di lavorare: tra un film ed un altro, riprendeva sceneggiature lasciate a metà, riposte in un cassetto, come il film sulla Divina Commedia dantesca, mai elaborato. Amava trastullarsi con queste idee che riprendeva, modificava, rielaborava.. poi, in d'un tratto venivano nuovamente accantonate, per elaborare un nuovo film, che sembrava saltar fuori dal nulla..

Un regista che ha fatto la storia del cinema italiano, irriverente, unico, eclettico e un inguaribile bugiardo: era convinto che le bugie fossero un modo per abbellire la realtà... era capace di dire una menzogna talmente bene, da crederci per davvero. Fellini, a suo modo, era un bugiardo sincero.

Il cinema in pillole♥ #3 La doppia credenza.

Cos'è che rende il cinema così magico? Sicuramente il nostro attore preferito, o le colonne sonore del musicista più bravo sul mercato o ancora, le sceneggiature del migliore dei registi.. ok. Ma cosa permette ad una pellicola di avere una potenza tale, da farci restare incollati allo schermo? 

"In fondo al cinema è tutto finto!"

Questa la frase che ho sentito dire molto spesso.. ed in parte è vero. Ma allora, se tutto è finzione, e il nostro cervello da "animale più intelligente e sviluppato del pianeta" ne è a conoscenza, perchè restiamo imbambolati, dinanzi alle scene di una pellicola?

Oggi,cercherò di svelarvi qualcosa in più. Mettetevi comodi, "il cinema in pillole presenta":

La doppia credenza (Metz 1980).

Lo spettatore, nell'arco della sua giornata si ferma e pensa: ora voglio vedere un film. Plaid, cioccolata calda e cane appallottolato sulle gambe...ehm questo non sarà proprio lo stereotipo dello spettatore medio, ma fidatevi... è la mia fotografia serale, tornata da lavoro.

Bene, in qualunque forma e qualunque sembianza abbia il nostro spettatore, poco importa: ciò che a noi interessa è la sua psiche (ANCORA Freud?!..Si!), e come essa interagisce con le immagini che ha dinnanzi. Mentre vediamo un film, noi allo stesso tempo crediamo e non crediamo alla verità delle immagini e della storia che ci viene raccontata.

Lo spettatore sceglie di vedere un film, sceglie di calarsi in una nuova realtà, in un mondo irreale e quindi sa bene, di trovarsi immerso in una vera e propria FINZIONE. Ebbene, nonostante tale ovvietà, lo spettatore non può far altro che credere che quello che vede è reale: si tratta della cosiddetta "credenza nella finzione", una condizione preliminare e necessaria per poter partecipare emotivamente ad una storia raccontata.

Dunque ogni spettatore dinanzi ad un film, è scisso.

Tutti noi siamo consapevoli di essere al cinema (o seduti sul nostro comodo divano, o ancora sdraiati nel nostro caldo letto) ma fingiamo di non saperlo. Siamo coscienti di assistere ad una finzione, ma nel bel mezzo della proiezione, crediamo che tutto sia reale.. 

E non solo siamo portati a credere che tutto quello che è proiettato sia vero, ma sentiamo che tutto quello che accade al protagonista, o al personaggio in cui più ci identifichiamo, ci appartenga.. Ogni dolore, gioia, compianto o lamento lo percepiamo come nostro.

Eppure, partiamo dal presupposto di vedere un film, di staccare la spina per un attimo dal mondo reale, dalla quotidianità, per calarci nella finzione... e poi?

E poi ci si cala così tanto nella fiction, che diventa reale.

Roba da matti, eh?