Guida ai grandi maestri♥ #2 Tim Burton

Non necessariamente un grande artista diventa tale solo dopo la morte.. o almeno fuori dall'Italia non accade così! I giusti meriti, riconoscimenti, elogi, andrebbero forniti nel pieno della vita, quando cioè, una persona meritovole può godersi a pieno il proprio successo.

Questo è ciò che accade a Tim Burton ai giorni nostri.. ma non sempre il suo lavoro è stato frutto di gioie e riconoscimenti, anzi..

Prendete posto sul treno fanstasma che sta per partire: Burton ci porta nel suo mondo fatto di scheletri, scienziati piazzi e creature mostruose..

Benevenuti nel favoloso mondo di Tim Burton!

La testa di Timothy Burton, detto Tim, un cinquantenne che non invecchia mai, è infestata da bizzarre creature, dotate di connotati terrificanti ma che in realtà, risultano piacevoli. Il sangue fa da sfondo a queste temibili creature,eppure non siamo nella sfera dello splatter. Nell'immaginazione burtoniana la stranezza è la norma e il normale risulta assolutamente noioso. L'eclettico regista ci fa scoprire che sotto i nostri piedi giace un altro mondo, colorato e rumoroso, dove il divertimento è garantito anche ai morti.  E' una vera è propria landa chiusa in una scatola cranica, una mente diversa che da vita ad un vero e proprio filone filmico. Unici nel loro genere, i film di Tim Burton sono divertenti e terrificanti al contempo, elaborati e noir.

Poche sono le fotografie che ritraggono il giovane Tim alle prese con la propria adolescenza: chissà che aspetto aveva quel ragazzino, che lo stesso regista descriverà come un doppio dei suoi personaggi. Lo possiamo immaginare una perfetta controfigura di Edward mani di forbice, alto, scapigliato, magro e con un amore viscerale per il gotico.. una vera e propria moda, quella lanciata da Burton, che ripercorrerà tutta la sua filmgrafia. 

Nel 1997 il regista, ormai affermatosi grazie a pellicole di successo, pubblica una raccolta di poesie illustrate da suoi disegni, intolata "In Morte malinconica del bambino ostrica e altre storie". Le pagine parlano di bambini molto speciali: c'è chi ha dei chiodi al posto degli occhi, chi è affetto da tossico dipendenza, o ancora un bambino-pinguino.

Il bambino con i chiodi negli occhi

"il bambino con i chiodi negli occhi,

piantò il suo alberello d'alluminio.

Ma cresceva di sbieco 

perchè lui era cieco."

James

"Un incauto Babbo Natale

volle regalare a James

un orsacchiotto colpito da poco

da un grande orso inazzato."

La bambina con molti occhi

Un giorno nel parco

fra tanti marmocchi

conobbi una bambina

con molti occhi.

Era carina, anche se faceva

impressione con tutta

quella confusione di occhi.

E in quella faccia bislacca

vidi che aveva anche una bocca.

Parlammo di fiori,

di vocali e consonanti

e dei mali che si attirava

quando portava le lenti.

E' bello conoscere una bimba

con tanti occhi sotto i capelli

ma non quando piange, 

perchè sui vestiti ti stinge.

E' con la comparsa in Beetlejuice del personaggio di Winona Ryder, affascinante e pallida ninfetta, vestita completamente di nero e agghindata con trine e velette, che si palesa la tipologia di personaggio gotico, che il cinema non aveva ancora adoperato. Si tratta un personaggio tratto da una corrente letteraria e che, ad un livello più frivolo, rimanda ad una moda derivata dal punk. Il goticismo rifiuta il conformismo e lo si vede in modo inconfondibile nei personaggi burtoninani e in Burton stesso, che per anni si è pettinato come Robert Smith, cantante dei "The Cure", imitato dai fan nell'abbigliamento e nelle pettinature.

Gli adolescenti gotici di Tim, sono dotati di una chiaroveggenza del tutto estranea al mondo degli adulti: ecco quindi che Winona è l'unica a comunicare con i coniugi Maitland, da poco scomparsi, oppure la giovanissima Natalie Portman, figlia del presidente degli Stati Uniti, che si dimostra molto più ragionevole del padre in Mars Attack!. E ancora, notiamo come Edward, adolescente bardato di cuoio, sia una visione gotica, che scende ad oscurare le tinte pastello della vita quotidiana (Se non hai letto l'analisi di Edward mani di forbice hai fatto male, però puoi rimediare cliccando QUI!)

I personaggi di Burton, hanno una capacità innata nel catturare l'animo dello spettatore, rendendo possibile l'idea di un mondo migliore dopo la morte. Tim ci permette di ridere e provare piacere trattando di ciò che l'uomo più ripudia: nel trattare temi diffusi e sflazionati quali l'amore, la libertà, la morte, c'è sempre il rischio di scadere nel banale. Burton non solo riesce ad eludere la banalità, ma riesce a trattare con ilarità della grande paura del genere umano, rendendo allegro ciò che di più triste esiste.

Non c'è che dire: Burton è vero genio della pellicola..

I film del cuore♥ #4 Le iene_Quentin Tarantino

"Ve lo dico io di cosa parla  Like a Virgin. 

Parla di una ragazza che rimorchia uno con una fava così! 

Tutta la canzone è una metafora sulla fava grossa.

No, macché, parla di una ragazza vulnerabile perché 

se la sono sbattuta di sopra e di sotto, ma poi incontra un tipo sensibile e...

Nonononono, mammoletta, queste sono cazzate per turisti!"

Le Iene, un film di Quentin Tarantino.

Un rapina andata male, sei uomini che collaborano ma non si conoscono affatto. Paura e delirio, nella ricerca della talpa, di chi ha soffiato alla polizia il loro piano. Nessuno si fida più di nessuno: è all'interno di un capannone che si svolgerà  l'epilogo di questo film trantiniano in pieno stile noir.

Benevenuti nella pellicola de "Le iene", dove nessuno si salverà.

Le iene si presenta come la prima opera autoriale di Tarantino, che lo vede al contempo regista e attore.. Precede Pulp Fiction e in un certo senso, ne rappresenta la prova generale, sopratutto dal punto di vista dell'impianto costruttivo. Scarno, feroce e violento, Le iene buca letteralmente il grande schermo, proprio come una pallottola trafora un brandello di carne.

Realizzato con un buget  limitato (inizialmente si contavano soli 30mila dollari), le scene convogliano quasi tutte all'interno di un capannone: le poche azioni negli esterni, movimentate e ritmate da incalzanti colpi di pisolta, saranno egregiamente montate da Sally Menke aiutato nella scenografia da David Wasco.. due collaboratori di cui Tarantino non farà più a meno, nemmeno quando la popolarità e il prestigio del regista gli avrebbero concesso l'aiuto di professionisti ben più conosciuti nel settore.

Il titolo italiano "Le iene", nell'originale suona come "Reservoir Dogs": tale titolo è stato oggetto di numerose iterpretazione, mai del tutto chiarite dal regista. Una traduzione letterale vorrebbe che l'enigma si sciogliesse in "Cani Sciolti", ma il termine "Reservoir" ha origni francesi, e proviene dal titolo di un altro film "Au Revoir Les Enfants", che Tarantino non riusciva mai a prononuciare correttamente. Dogs, invece dovrebbe provenire da un'altra celebre pellicola "Cani di Paglia", originariamente "Straw Dogs".

Altra curiosità degna di nota, ci riporta agli occhiali indossati nel film da Michael Madsen, gli stessi usati in "The Blues Brothers" e in "Colazione da Tiffany"... Ancora rilevante è la scena iniziale del film: Tarantino ci apre la visione di tutti i personaggi, riuniti attorno ad un tavolo di un bar, come se si trattasse di un ultima cena: dopo aver consumato la propria colazione, le nostre iene sono chiamate a sgnaciare un dollaro ciascuno, per dare la mancia al personale. Steve Buscemi, si rifiuta di partecipare alla mancia per la cameriera: più tardi, in Pulp Fiction, Tarantino inserirà ironicamente l'attore proprio nel ruolo di un camerire.

E' proprio con la scena iniziale del film, che il regista ci pone faccia a faccia con una di quelle discussioni surreali, tipiche del cinema tarantiniano: del tutto estranea dal tema della pellicola, la disquisizione verte sul significato della canzone "Like a Virgin" di Madonna. Lo stesso Tarantino, nei panni di una delle "iene", sostiene l'ipotesi che si tratti di una prostituta posseduta da un uomo super dotato, tanto da farle provare dolore durante l'amplesso, proprio come se fosse ancora vergine.

Successivamente, la trama del film si svolge in capitoli (come sarà in Pulp Fiction), spesso dedicati a spiegare il ruolo di alcuni protagonisti, o a raccontare gli eventi, senza tener conto della sequenza temporale. Il film si chiude in una circolarità perfetta: si assiste ad una sorta di esplosione narrativa, che come al solito, quando si tratta di Tarantino, non delude mai.

Ciak si legge♥ #2 Pulp Fiction_Quentin Tarantino

Vi è mai capitato di trovarvi faccia a faccia con la sceneggiatura di un film? Beh, se così non fosse, portete provare la fantastica esperienza di "leggere una pellicola", grazie alle innumerevoli edizioni cartacee che racchiudono in sè il "canovaccio" del vostro regista preferito.

Oggi, tratteremo di uno dei cult indiscussi della storia del cinema, offertoci in inchiostro stampato dalla Bompiani...sto parlando di:

Pulp Fiction un film/una sceneggiatura di Quentin Tarantino.

Il libro si apre con una definizione stampata a modi dizionario, in cui si sviscera il significato del termine pulp.

"pulp s. 1 Massa di materia morbida, informe e quasi liquida. 2. libro o rivista che contiene storie sensazionalistiche di sesso e violenza, in genere stampato in carta di qualità scadente."

A partire dal titolo, Tarantino ci cala immediatamente nella dimensione del suo cinema: lo fa attraverso immagini nitide e inequivocabili occhi penetranti degli attori. Il suo pulp è tangibile, è nell'aria: ci rende tutti partecipi e volenterosi di assaporare quel mondo così estremo, posto ai limiti dell'immaginabile.

Cosa accade se i nostri occhi invece di essere rapiti dalla luce del grande schermo, si trovano faccia a faccia con parole stampate su carta?

L'effetto del "pulp" ruberà ugualmente il nostro cuore?

Sicuramente, anche dalle righe dell'edizione Bompiani, si evince la grande qualità e maestria di Quentin Tarantino, anzi in un certo senso la lettura di questo libro appare indispensabile per comprendere cosa c'è dietro la creazione di un film.

I trafiletti descrittivi che precedono le battute dei personaggi, riescono a rievocare esattamente gli spazi e i luoghi che il regista immagina per la messa in scena.. Se la lettura avviene dopo la presa visione della pellicola, riuscirete a recuperare le scene precise del film nella vostra mente: rivedrete Mia Wallace vestirsi dietro quell'anta semi aperta, i due giovani ladri seduti al tavolo di un caffè anni '50, potrete sentirvi (finalmente!) i protagonisti della famosissima scena degli hamburger. 

Per gli amanti di cinema, sceneggiature e sopratutto, per gli amanti della maestosa regia Tarantiniana, questo libro non può assolutamente mancare nella propria libreria: con esso non solo ci si rende conto di come è fatta una sceneggiatura, ma si possono assaporare tutte quelle situazioni ideate dal regista, che non vennero mai rese in pellicola.

Unica pecca, sicuramente la traduzione: non tenendo fede ai dialoghi doppiati in italiano, sfalsa alcuni battute fondamentali o i giochi di parole (come ad esempi Pitt/Shit nel discorso che Jules fa ai due che hanno rubato la valigetta a Mr. Wallace che nel film in italiano viene reso Gerda/Merda).

Ma è solo andando oltre la scadenza della traduzione che è possibile recepire tutto il pulp che questa sceneggiatura trasuda e il risultato, (come al solito, quando si parla di Tarantino) non vi deluderà affatto.

I libri del cuore♥ #3 Le ultime lettere di Jacopo Ortis_Ugo Foscolo

Reputi noioso Foscolo da quando hai letto "I Sepolcri" al liceo?

Non confidi nella bellezza della letteratura italiana, perchè ritenuta dai più obsoleta?

Bene! Oggi intraprenderò la mia piccola sfida personale, cercando di farvi cambiare opinione.. 

Mettetevi comodi, voglio parlarvi di:

Le ultime lettere di Jacopo Ortis, un libro di Ugo Foscolo

UGO FOSCOLO nasce il 6 febbraio 1778, nel pieno della rivoluzione francese: sarà così colpito dalla rivoluzione, da definendosi suo allievo.Per comprendere la sua scrittura, serve riflettere sui suoi mestieri: fu soldato, giornalista, insegnate universitario ma nessuna di queste attività diede lui i frutti necessari per sopravvivere, e infatti morì disperato e sommerso dai debiti.  Oggi, facciamo luce su uno dei migliori romanzi epistolari di sempre: il genere epistolare è spesso ostico nelle letture, ma non è questo il caso dell'Ortis Foscoliano.

Le ultime lettere di Jacopo Ortis (1817) quando Foscolo giunge in Inghilterra (1815) inizia la sua carriera da critico letterario, affermando che la letteratura italiana a lui contemporanea è priva di “romanzi veri”: quando esce l’Ortis, egli affermerà che quello è il primo vero romanzo italiano. 

Questo perché in Italia c’erano dei romanzi, ma essi erano lontani da quelli europei: avventurosi e ricchi di colpi di scena, creavano un’altra realtà puntando tutto sulla trama, mentre in Europa primeggiavano romanzi come “Robinson Crusoe”, “i dolori del giovane Werter” di Goethe o “La nuova Eloisa” di Rousseau. Tutti romanzi che danno l’idea di entrare in contatto con personaggi reali: e infatti in quegli anni hanno molto successo i romanzi epistolari che rispetto a quelli d'azione, punta sulla rappresentazione degli affetti.

Foscolo punta proprio a questo: l’Ortis vuole raccontare le passioni dei contemporanei (rivoluzione francese) e per questo deve scegliere il pubblico a cui rivolgersi e la lingua con cui scrivere il proprio romanzo epistolare. Egli ipotizza una tripartizione del pubblico:

Aristocratici (pochi e acculturati) 

Popolo (borghese) 

Plebe (molti e privi di cultura).

L'autore decide di rivolgersi al popolo borghese, raccontandone le passioni. Si rivolge al nervo di un’intera società poiché è la parte di essa attiva e lavoratrice, con un linguaggio a loro comprensibile.

La vita dell’Ortis si snoda nelle lettere inviate ad un ricevente (Lorenzo Alderani) che decide di pubblicarle per poter erigere un monumento in ricordo delle virtù dell’Ortis morto suicida affinchè nessun altro muoia. La sua esistenza è l’emblema dell’orrore della rivoluzione e di quanto essa possa influire nella vita privata degli individui: l’amore infatti, non può sussistere ed egli deve rassegnarsi all’idea di una vita in solitudine senza Teresa, donna amata ma destinata al matrimonio con un altro uomo, Odoardo, che incarna l’emblea degli uomini senza virtù (ed è lo specchio della civiltà in cui Foscolo è immerso). Proprio come Alfieri, l’autore non vede nell’amore una via di fuga dall’orrore della realtà. Il dolore per la situazione politica, non fa altro che alimentare il dispiacere amoroso: in una realtà problematica l’amore non può sussistere e  ciò intensifica ancor di più la sconfitta politica.

Il cinema in pillole♥ #5 Il concetto di film d'autore, esiste?

Molto spesso, lo spettatore si trova dinanzi ad una pellicola ritenuta "film d'autore". Decide di guardarla e già si pone nella condizione di "spettatore attento": pronto a captare qualsiasi sfumatura che il regista ha voluto donare al proprio capolavoro, strizza occhi e meningi al fine di non farsi scappare nulla.. Troppo spesso ci sentiamo quasi in obbligo di esprimere un giudizio positivo nei riguardi di un film che non ci è piaciuto affatto, solo perché il regista è uno di quelli con la R maiuscola, uno di quelli passati (giustamente) alla storia per il proprio modo di fare cinema.

Credo che tali "pregiudizi in positivo" vadano messi da parte: è per questo che oggi parleremo di:

I film d'autore, possiamo considerarli tutti così?

Come una qualsiasi opera d'arte, anche il film è volto a suscitare emozioni nello spettatore. Ovviamente queste emozioni saranno differenti a seconda della tipologia di pubblico che si pone dinanzi al grande schermo (a tal proposito spulcia negli altri post de "il cinema in pillole" cliccando QUI♥!). Esiste quindi, già in partenza, una forte componente soggettiva, che permette all'uomo di esprimere un proprio giudizio, che non necessariamente sarà uguale a quello di un'altro spettatore. 

Ora, ammesso che i film suscitano emozioni diverse a seconda dei soggetti che li visionano, ed ammesso che non tutti abbiamo gli stessi "gusti cinematografici", appare ovvio, che ci siano pareri differenti in relazione ad uno stesso film: una fetta di pubblico può considerarlo un vero e proprio capolavoro, ed altri invece lo potranno ritenere scadente, poco piacevole e così via.

Fin quando si esprimono giudizi personali, non si fa altro che esternare ciò che una pellicola ci ha trasmesso.. e in questo non c'è nulla di male.. Quando invece si cerca necessariamente di affermare che un film è geniale, solo perché il regista è lo stesso che è passato alla storia con un'altra pellicola realmente unica nel suo genere, ecco che si scade in una cattiva valutazione cinematografica, filtrata non dal parere/piacere personale, ma dal cosiddetto parere (o piacere) di massa, legato prettamente al nome del regista e non alla qualità del film.

La contrapposizione storica tra film d'autore e film di genere, che attribuisce a primi l'aggettivo "artistico" e ai secondi quello di "commerciale", rappresenta un atteggiamento del tutto sbagliato: credere che per forza di cose il cinema d'autore sia superiore a quello di genere è un'idea obsoleta, che colpisce chi crede di essere una sorta di spettatore "altolocato", ma che in realtà non riesce ad effettuare una critica sincera, senza essere ossessionato dai nomi dei "grandi registi".

Ovviamente con questo non voglio intendere che i maestri delle pellicole non producano film eccellenti  e di qualità, ma vorrei semplicemente mette in luce un aspetto importante, che troppi trascurano: la pellicola, come qualsiasi opera d'arte, deve accendere qualcosa nel nostro io. Ci deve catturare, rapire, imprigionare nei colori della scena.. non dobbiamo per forza cogliere qualcosa in un film che non ci ha colpito, o che non ha suscitato il nostro interesse.

Spesso la "politica degli autori" ha concentrato (in modo errato) troppo l'attenzione sulla dicotomia autore/non autore, senza invece pensare ad interpretare i film nella loro concretezza. Si pensi alla filmografia, di uno dei più grandi registi della storia del cinema: Lang. Bene, per quanto egli sia un maestro indiscusso della pellicola, non tutti i suoi film sono segnati dalla "genialità dell'autore",mentre "Cantando sotto la pioggia" realizzato da due presunti "non autori", è un film che combatte il tempo, famosissimo ed eterno,  che costituisce un ingranaggio fondamentale nella storia del cinema.

Non bisogna dimenticare, che in fondo, anche il cinema d'autore può considerarsi un genere.. e non è sempre uno di quelli più interessanti! Ci troviamo in più occasioni di fronte a protagonisti in crisi esistenziali,o crisi coniugale, o ancora alle prese con un inserimento problematico nel contesto lavorativo, sociale, nella cerchia di amici.. sono tutti clichés, situazioni stereotipate, standardizzate che possiamo trovare in svariati film d'autore, così come accade nelle commedie, o nei film di genere che ripropongono "canovacci" già visti ed utilizzati. 

Quindi mi chiedo: se anche nei film d'autore, si attivano gli stessi meccanismi delle pellicole di genere, perchè considerarli come una categoria superiore?

I film del cuore♥ #3 Cry Baby_John Waters

Siete stanchi di John Travolta nei panni di Danny Zuko? Della scena della macchina da riparare, del pettine stretto tra i capelli, di Sandy, insomma.. siete ormai stanchi del famossimo Grease?

Bene, qualunque sia la vostra risposta, ho quello che fa per voi..

Oggi, parleremo di un film oltre i limiti del possibile: ebbene sì, una pellicola firmata John Waters, regista e re indiscusso del trash.

Non abbiate timore, ho il piacere di presentarvi:

Cry Baby un film di John Waters

Dissacrante, irriverente, trash, adorabile John Waters che ci regala 40 minuti di divertimento, con una sorta di parodia del famosissimo Grease. Il regista ci propone la classica opposizione tra ragazzi per bene e ragazzacci di strada: stiamo parlando degli "square" e dei "drapes". 

E' il 1954 a Baltimora e come prevede qualsiasi copione di un musical che si rispetti, il capobanda scapestrato dei giovani poco raccomandabili, si innamora di una cara e dolce ragazza, Ellison, con cui non condivide nulla... è scontato dirvi che l'amore trionferà.

Ma allora mi chiederete, cos'è che rende questo film tanto speciale?

Bene.. procediamo con ordine. Innanzitutto il film mette allegria, vuoi per la formula del musical, vuoi per i colori e per la  carica trash-demenziale che tiene lo spettatore incollato allo schermo, in una sorta di trance in cui ci si chiede se è tutto-vero-ciò-che-si-vede. Sicuramente rilevante l'intento del regista, capace di dipingere, con una leggerezza sconcertante, ma in modo incisivo, i tratti disgustosi dell'America. Altrettanto rilevante è la presenza di Iggy Pop nella parte di Mr. Belvedere.

Esce nelle sale nel 1990,ed è un giovane Johnny Depp (che di lì a poco si sarebbe calato nei panni di Edward mani di forbice), ad irrompere sullo schermo: mascella squadrata e sguardo irresistibile, eccolo che interpreta Wade "Cry Baby" Walker (detto così per la sua "la lacrima facile" a causa della perdita dei propri genitori) il giovane ragazzo di strada, temuto dalle famiglie perbene.

Ora, ditemi come si può resistere a Cry Baby che fa una dichiarazione d'amore. struggente, romantica, unica nel suo genere  "Ti amo come la mia moto!" e che,come se non bastasse, si tatua una lacrima sul viso, in segno del suo amore per Ellison.. no davvero, è impossibile non  desiderare di essere catapultati immediatamente in questo musical ed adorarne letteralmente i personaggi!

Tipicamente anni '50, sembrano tutti la caricatura di sè stessi: vestiti aderenti e pance spropositate, capelli lunghi boccolosi e ossigenati, fazzolettini al collo e rossetto rosso fuoco: no, Waters non ha sbagliato nulla in questa pellicola, tutto è assolutamente come dovrebbe essere!

Bene.. non vi resta altro da fare: DOVE ASSOLUTAMENTE VEDERE QUESTO FILM! Non potete più fare a meno dei trashissimi ed amabilissimi personaggi di John Waters?

NON AVEVO DUBBI!

"Baciami! Fammi impazzire!"

"Perdonami Cry Baby, ma non ho mai baciato con la lingua..."

"Non è una cosa difficile: devi solo aprire la bocca, io apro la mia e piano piano le nostre lingue si accarezzano.. ed è una cosa incredibilmente erotica!"

"Ma così non si rischia di prendere la mononucleosi?"

♥

Il cinema in pillole♥ #4 Il regista è come lo scrittore?

Quante volte vi siete posti la fatidica domanda: "è meglio il film o il libro?" I cinefili più incalliti, difenderanno a spada tratta le pellicole, dotate di musiche trasportanti e magia avvolgente, capaci di catapultarti in un'altra dimensione...I letterati d'altro canto, non abbandonerebbero mai l'odore della carta, la possibilità di tracciare appunti ai bordi delle pagine, e sopratutto rivendicano la possibilità di immaginare a proprio piacimento i personaggi. E' una diatriba che va avanti da secoli, che porta molti ad interrogarsi circa l'identità del regista.. Questo può essere accomunato allo scrittore?

Oggi cercheremo di rispondere a questa domanda. Il cinema in pillole presenta:

Il regista è come lo scrittore?

Nell'affermare la creatività del regista, che dovrebbe poter lavorare ad un film, proprio come uno scrittore che lavora alle pagine del proprio libro, Astruc (regista e teorico francese) avanza la teoria della caméra-stylo (letteralmente cinepresa-penna). Egli sostiene che la macchina da presa deve essere considerata come la penna dello scrittore: in quest'ottica la produzione filmica è accomunata alla scrittura letteraria. 

"il cinema si svincolerà a poco a poco dalla tirannia del visivo, dall'immagine per l'immagine, dall'aneddoto bruto, dal concreto, per diventare un mezzo di scrittura flessibile, sottile al pari del linguaggio scritto" (Astruc, 1948)

Il teorico espresse questa teoria rivoluzionaria in un articolo pubblicato nel 1948, considerato basilare per la nascita  della Nouvelle Vogue francese. Quindi, la regia è un tipo di scrittura?

Sicuramente nello scrittore e nel regista, si attivano gli stessi meccanismi psichici durante la realizzazione delle proprie opere. Entrambi decidono di creare un film o un libro, perchè i propri sensi vengono sollecitati da un qualcosa che li colpisce nel profondo: un'immagine, un profumo, una sensazione.. tutto il mondo circostante concorre alla creazione di un'opera d'arte. 

Così come lo scrittore senza limiti, può giocare con i propri personaggi, crearne la psiche e le componenti caratteriali, così farà il regista con i propri attori. La differenza in questo meccanismo di creazione dei protagonisti di un opera, è che il regista  vede muoversi dinanzi ai propri occhi quei personaggi che hanno infestato la propria testa, durante la stesura della sceneggiatura, mentre lo scrittore li immagina. Ma questo non vuol dire che il libro si migliore del film o viceversa.

In ultima analisi, che un'opera sia supportata da pellicola o impressa su carta, poco importa: tutto ciò che sollecita il nostro intelletto, la nostra fantasia e sopratutto le nostre emozioni, è da considerarsi opera d'arte.